Ophelia Rosa

Janaina Tschäpe ha trabajado de manera recurrente con el paisaje a lo largo de su trayectoria. Ha descrito sus obras cinematográficas, fotográficas y performativas como intentos de insertarse en él como un objeto; en sus pinturas, en cambio, moviliza el paisaje tanto como categoría de la historia del arte como catalizador de la memoria. A partir de esta última perspectiva, ha desarrollado un interés por la idea del paisaje como memoria y entiende su evocación en el arte como un espacio desde el que pueden aflorar registros personales vinculados a los aspectos más íntimos y sensoriales de un lugar. En particular, sus pinturas suelen remitir a los distintos entornos en los que se han desarrollado sus trabajos performativos y fotográficos. Los diferentes elementos de su práctica quedan así conectados por la activación de la memoria a través de la pintura, entendida como un medio que ofrece las condiciones materiales y temporales adecuadas para desarrollar exteriormente imágenes procedentes de un espacio fundamentalmente interior. 

La historiadora del arte Annette Bhagwati sitúa el origen filosófico de esta dimensión de la práctica de Tschäpe cuando escribe: “En lugar de registrar paisajes exteriores y físicos, examina sus recuerdos, las imágenes residuales interiores de esos paisajes, mediante un enfoque pictórico y visual: un diálogo sostenido con la materialidad de sus medios —papel, pincel, lienzo, óleo, acuarela— da lugar a composiciones que evocan una memoria profundamente estratificada. A pesar de la expresividad manifiesta de las obras, estas surgen de un acto de profunda contemplación y exploración interior. Este enfoque artístico es romántico en un sentido verdaderamente auténtico”. 

Ophelia Rose (2015) representa lo que parece ser un lago o un pantano construido mediante una variedad de medios y técnicas superpuestos sobre el lienzo, y forma parte de las numerosas escenas acuáticas evocadas por la artista. El amplio espacio blanco de la parte superior de la pintura contrasta con su mitad inferior, compuesta por formas orgánicas, marcas de goteo y secciones dibujadas en verdes y azules que sugieren hierbas y otras formas de vida vegetal. La vaga división de la obra en estas dos zonas adquiere mayor definición gracias al horizonte de la superficie del agua, insinuado por una tenue línea al fondo de la pintura. La continuidad de los largos regueros de pintura y de los trazos dibujados que atraviesan esa línea alude a la capacidad reflectante del agua y a la profundidad que oculta. La insistencia de Tschäpe en esta incertidumbre a la hora de representar el agua o el horizonte es un rasgo recurrente de su obra. De hecho, la artista aprovecha precisamente las cualidades de lo desconocido y entiende cada lienzo en blanco como una oportunidad para la exploración y la confrontación con el yo ante una extensión abierta. 

— Elsa Gray